Un des enfants prodiges du cinéma américain. Il se fait remarquer avec Duel en 1972, un film de terreur très efficace réalisé pour la télévision, avant de redéfinir en profondeur, avec des succès planétaires, les règles du divertissement cinématographique moderne (Les Dents de la mer, Rencontres du 3ème type ou E.T.). Il contribue à une résurrection semi-parodique du cinéma d'aventure feuilletonesque avec la série des Indiana Jones mais ne dédaigne pas les "grands sujets" (Amistad, La Liste de Schindler ou Munich). Sa contribution à la science-fiction moderne est importante comme en témoignent Minority Report, A.I. ou La Guerre des mondes.

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Lewis Hine, la fièvre humaine

Les Etats-Unis du XXe siècle se sont construits sur le travail d'une classe ouvrière, nourrie par les flux d'immigrants venus d'Europe et les descendants des esclaves noirs. Les quarantes premières années d'expansion industrielle conquérante ont eu un témoin exceptionnel : Lewis Hine (1874-1940). Jusqu'au 18 décembre 2011, la Fondation Henri Cartier Bresson, à Paris, expose l'oeuvre de ce photographe sociologue, militant et artiste.

Né dans une famille modeste à la fin du XIXe siècle, dans une petite ville du Wisconsin, et lewis hine, lewis, hine, exposition, rétrospective, fondation, fondation henri cartier bresson, hcb, paris, portrait, biographie, oeuvre, photo, photographie, photos, photographies, pique-niquetôt ouvrier dans une fabrique de meubles, Lewis Hine entre en photographie par hasard. Engagé dans des études de sociologie à l'université, il devient enseignant en sciences naturelles ; et dans les facultés où il enseigne, on commence à percevoir la photographie comme un instrument privilégié pour l'enregistrement et la constitution d'un matériau sociologique. De sa propre initiative, une lourde chambre photographique à plaque sur le dos, Hine gagne donc le port où sont réceptionnés les immigrants européens.

Dans la cohue d'Ellis Island, il promène son regard sur les figures bariolées d'une population qui débarque hébétée sur la Terre promise, après plusieurs mois de traversée. Il lewis hine, lewis, hine, exposition, rétrospective, fondation, fondation henri cartier bresson, hcb, paris, portrait, biographie, oeuvre, photo, photographie, photos, photographies, pique-niquey a de tout ici : des juifs askhenazes d'Arménie à la barbe bouclée, des cosaques qui ont conservé leur lourd manteau, et surtout des enfants de tous les peuples, qui courent partout sur les clichés. Hine connaît ses premières péripéties de photographe qu'il raconte avec humour dans une lettre à la critique Elizabeth McCausland : "Imaginez-nous en train de jouer des coudes à travers la foule d'Ellis Island pour essayer d'arrêter le flux des égarés circulant dans les couloirs, les escaliers et dans tous les coins pressés de trouver leur chemin et dans finir. (...) Je déployai simultanément les talents d'un hypnotiseur, d'un super vendeur et d'un lanceur de base-ball pour les préparer à jouer le jeu, et ensuite pour les prendre de vitesse afin que la plupart d'entre eux ne grimacent pas ni ne ferment les yeux au moment de la prise de vue." Son matériel demande d'ailleurs tant de temps pour être installé que souvent le migrant, pressé par le flux, a déjà filé. Mais Hine s'accroche.

Sociologue avant d'être artiste

"Lewis Hine est le pionnier de la photographie sociale et documentaire", explique sans détour Agnès Sire, directrice de la Fondation Henri lewis hine, lewis, hine, exposition, rétrospective, fondation, fondation henri cartier bresson, hcb, paris, portrait, biographie, oeuvre, photo, photographie, photos, photographies, pique-niqueCartier-Bresson. "Il témoigne de thématiques encore brûlantes aujourd'hui, comme le chômage, l'immigration ou encore le travail des enfants qui touche maintenant les pays d'Asie." La photographie de Lewis Hine est frontale, "enfin, autant que son appareil le lui permettait", sourit Agnès Sire. Jusqu'à un certain pédagogisme, comme dans la série sur les métiers, où le mécanicien, le cuisinier ou le soudeur sont pris dans une position similaires devant leurs instruments de travail. La structure de la photographie de Hine privilégie avant tout la lisibilité. Comme l'explique la directrice de la fondation, "Lewis Hine se moquait d'être reconnu comme un artiste".

Photographiant pour les journeaux ou les lewis hine, lewis, hine, exposition, rétrospective, fondation, fondation henri cartier bresson, hcb, paris, portrait, biographie, oeuvre, photo, photographie, photos, photographies, pique-niquepetites brochures, il ne prête pas attention à la qualité du tirage, du moment qu'il est suffisant pour faire passer le message - au grand désespoir de ses amis lorsqu'ils voudront présenter son travail. Il n'y a pas non plus chez lui cette prétention à saisir au vif la réalité de l'objet. Au contraire, il fait poser la plupart des hommes et femmes qu'il rencontre au gré de son cheminement. Pour certains, il les photographie même sous des costumes différents. Comme l'écrit Alison Nordström, dans le catalogue qui accompagne l'exposition, Lewis Hine ne rentre pas dans le débat entre les partisans de la photographie d'art et ceux de la photographie documentaire - longtemps avant que Walker Evans ne théorise la frontalité. Il observe et témoigne. C'est tout.

Car avant d'être un esthète, Lewis Hine est un passionné de la réalité sociale. Son travail est guidé par une infatiguable curiosité du monde humain qui le mène au coeur des usines et des mines de charbon et le pousse à conserver un enregistrement de tout ce qu'il rencontre. Chacune de ses photographies dénonce haut et fort l'exploitation des petites gamines dans les filatures, des jeunes garçons qui parcourent les rues en proposant lewis hine, lewis, hine, exposition, rétrospective, fondation, fondation henri cartier bresson, hcb, paris, portrait, biographie, oeuvre, photo, photographie, photos, photographies, pique-niquele Herald Tribune à tue-tête. Sans doute le plus émouvant, ces bouilles encore joufflues de l'enfance noircies par la suie, une lampe à pétrole rudimentaire en fer blanc posée sur la tête. Le capitalisme avale les centaines d'immigrants qui se pressent sur le débarcadère d'Ellis Island : ils sont venus d'eux-mêmes, pressés par la misère dans leur terre d'origine, garnir les rangs de l'industrie conquérante. Les quelque cent-cinquante originaux alignés sur les deux salles d'exposition de la Fondation offrent un panorama vertigineux de l'extension industrielle : l'orchestre des laminoirs qui s'élèvent en cadence dans le ciel nocturne de Pittsburgh, les broches alignées par centaines dans les filatures de Géorgie, le ballet des grues qui se croisent autour de l'Empire State Building en construction...

"Let children be children"

Certains se battent avec leur plume, Hine, avec son appareil. Les visages désolés imprimés sur sa pellicule, les membres absents des nombreux "accidentés" du travail retournent à l'Amérique l'envers de sa prospérité. Missionné par le puissant National Child Labour Committee qui a compris que la photographie peut faire exister une réalité refoulée par l'inconscient national, il traverse l'Amérique et enregistre la vie de la classe lewis hine, lewis, hine, exposition, rétrospective, fondation, fondation henri cartier bresson, hcb, paris, portrait, biographie, oeuvre, photo, photographie, photos, photographies, pique-niquelaborieuse sous toutes ses coutures. Un vrai travail de sociologue : il prend en note l'âge des enfants, leur taille et leurs conditions de travail. Les brochures diffusées par le NCLC font connaître ses photographies, qui sont bientôt relayées dans la presse progressiste. "L'impact de son travail est certain dans la lutte pour l'abolition du travail des enfants", explique Agnès Sire. Son travail inaugure ainsi les futures grandes campagnes de documentation photographique que lancera la FSA pendant la Grande dépression, avec Walker Evans ou Ben Shahn.

Mais le misérabilisme n'a pas sa place ici. Nulle part, dans les clichés de Lewis Hine, on ne trouve de visages larmoyants ni de dramaturgie pathétique. Le petit ouvrier au bras amputé ou les visages des enfants mineurs font face à l'objectif droits sur leurs jambes ou leurs béquilles. Lorsqu'en 1918, il sillonne pour la Croix-Rouge l'Europe dévastée par les bombes après quatre ans de guerre sauvage, il garde le même regard sobre et objectif. Le romantisme, chez Hine, lewis hine, lewis, hine, exposition, rétrospective, fondation, fondation henri cartier bresson, hcb, paris, portrait, biographie, oeuvre, photo, photographie, photos, photographies, pique-niquen'apparaît que lorsqu'il célèbre la grandeur de l'industrie humaine ou l'inépuisable gaîté de l'enfant. Paradoxalement, c'est dans la joie que la photographie de Hine fait entrer l'émotion, comme sur cette image d'une gamine barbouillée riant aux éclats. Et de cet humanisme confiant, la beauté sourd là où on ne l'attend pas. Elle fait quasi naturellement partie du geste de Hine, faisant dégager de certaines photographies une poésie brute et profonde (Gamin de Paris, 1918).

Men at work

"There our soldiers, our sustainers, the very parents of our life", écrit le poète William James à propos de ces hommes de peu, partis à l'assaut des nuages, sur des poutrelles de vingt centimètres de large, sans protection, travaillant accroupis sur des planches en bois, cent mètres au-dessus des rues new-yorkaises. Son appareil sur le dos, Lewis Hine escalade les échafaudages fouettés par le vent, et réussit à prendre quelques-uns de ces clichés magiques, où l'homme est saisi en vol, où même le manoeuvre noir, fils d'esclave, a le droit lui aussi de rêver, le temps d'une photographie, qu'il sera partie du nouvel empire qui s'édifie.

Comme la plupart des progressistes de l'époque, Lewis Hine a une vision double de l'homme au travail. D'un côté, l'usine qui exploite la fillette aux doigts écorchés par le flux du fil sur les batteries de broches, les plantations de coton où des petits ramasseurs traînent des sacs plus longs qu'eux ; mais aussi la puissance de la machine, de l'industrie, le jeune ouvrier aux longs bras musculeux qui actionne un volant géant, triomphant. Là, l'art de Lewis Hine confine au symbolisme. Et sur le surprenant montage qui orne la couverture d'une brochure, on retrouve une vision du peuple travailleur en marche qui rappelle fortement les collages soviétiques de l'époque. Vers la fin de sa carrière, comme l'aboutissement d'un long combat dans lequel il a eu sa part, c'est la figure de Roosevelt et de son New Deal qui veille, dans une bicoque ouvrière, sur le chômeur. Lewis Hine est le témoin immarcescible des pauvres et de l'héroïsme incompréhensible de ceux qui n'ont rien.

Augustin Fontanier

Le 21/09/11

Lewis Hine, jusqu'au 18 décembre 2011

Fondation Henri Cartier-Bresson

2 impasse Lebouis

75014 Paris

Tlj (sf lun) 13h - 18h30

Samedi 11h - 18h45

Nocturne Mercredi (20h30)

Tarif plein : 6 €

Tarif réduit : 3 €

Rens. :  01 56 80 27 00

Cette exposition clôture cette année dédiée au 7e art. Elle permet, en dévoilant l’envers du décor, de faire découvrir le rôle des chefs-d’œuvre du patrimoine architectural français à l’écran.

Décors réels ou reconstitués en studio, ces monuments ont inspiré des centaines de films français et étrangers. Le travail des chefs décorateurs, l’imagination des cinéastes et des directeurs photo, le charisme des comédiens, magnifient le monument comme star de cinéma.

28 octobre 2010. 13 février 2011.

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Critique

"Liberté" : 'Si quelqu'un s'inquiète de notre absence...'

LE MONDE | 23.02.10 | 15h31  •  Mis à jour le 23.02.10 | 15h31

 Depuis le temps que Tony Gatlif met en scène le destin des Roms (Les Princes, 1983, Latcho Drom, 1993, Swing, 2002...), il devait bien finir par croiser un jour la question du génocide. De 250 000 à 500 000 d'entre eux ont été exterminés par les nazis, l'imprécision de ce chiffre témoignant des lacunes historiographiques qui entourent encore aujourd'hui cette question, à l'égard de laquelle la mémoire tzigane elle-même hésite à se confronter. La représentation de cet événement au cinéma est quant à elle rarissime, voire inexistante.

Ce contexte suggère la lourdeur du fardeau qui pesait a priori sur les épaules du réalisateur. On pourrait y ajouter cet embarras supplémentaire : comment concilier la pesanteur tragique de l'événement avec l'effervescence poétique de la culture rom ? La réponse de ce film, le meilleur de Tony Gatlif, tient en un mot, qui lui donne à juste raison son titre : la liberté. Liberté de ne pas reconstituer frontalement l'extermination, liberté de prendre la tangente romanesque à partir d'histoires composites collectées dans la chronique historique, liberté enfin, mais aussi bien grand talent, d'insuffler à ce récit une sorte de poignante légèreté.

L'action de Liberté commence en France, en 1943. Quelques roulottes tziganes traversent les bois, fuyant la soldatesque allemande, agrégeant au passage à la troupe un garçonnet orphelin en fuite, P'tit Claude. Cette troupe débarque dans un village où elle avait l'habitude de participer aux vendanges. Théodore, le maire (Marc Lavoine), et M^lle Lundi (Marie-Josée Croze), l'institutrice membre de la Résistance, les accueillent au nom des valeurs républicaines. Mais pas mal de choses ont changé dans ce village français avec l'occupation. Le régime de Vichy interdit désormais le nomadisme, enferme les Tziganes dans des camps. Les salauds ont désormais le champ libre, tel le très sombre Pierre Pentecôte (Carlo Brandt), qui faisait naguère commerce avec eux mais travaille aujourd'hui pour le compte de la Gestapo.

Enfermés dans un camp, les Tziganes ne doivent leur libération qu'à l'entregent et au courage de Théodore, qui les fait propriétaires, par un acte de donation, du domaine familial et des terrains attenants. Ce geste crée une émeute raciste chez les bonnes gens du village, qui revendiquent une part de ces terres. Les Tziganes, de toute façon, reprendront la route, franchiront la frontière, disparaîtront pour toujours.

Leur passage marquera ce film d'une trace lumineuse et poétique,  à l'image du plus fantasque et irréductible d'entre eux : Taloche. Ce funambule aux semelles de vent, roi de la gaffe et de la pantomime, est incarné par le formidable James Thierrée, petit-fils de Charlie Chaplin, qui rejoint dans cette composition tzigane le combat de son aïeul contre le totalitarisme et ses suppôts.

Mais ce sont mille détails qu'il faudrait relever pour évoquer la manière dont ce film, évitant le cortège du pathos, conquiert l'élégance, drôle et tragique à la fois, de l'émotion. La libération de l'eau du robinet par Taloche. La délicate réminiscence d'une montre juive abandonnée sur une voie ferrée. La tziganisation de Maréchal nous voilà. Le lyrisme retenu de l'image signée par le chef opérateur Julien Hirsch. La voix vrillante de Catherine Ringer sur la bouleversante chanson de fin, rappelant la gaieté funèbre de son étrange Petit train (1988). Ses paroles, associées à la musique, pourraient donner une idée un peu plus précise du ton particulier du film : "Si quelqu'un s'inquiète de notre absence/Dites-lui qu'on a été jetés du ciel et de la lumière/Nous les seigneurs de ce vaste univers."

En un certain sens, l'insouciance de la mort est ici aussi forte que celle de la vie, chez un peuple dont la raison d'être serait subordonnée à l'idée et à la condition de la liberté. Paul Eluard, qui écrivait en 1942 son nom dans un poème (Liberté), aurait pu le dédier à ce peuple poétique entre tous.

Film français de Tony Gatlif avec Marc Lavoine, Marie-Josée Croze, James Thierrée. (1 h 51.)

Site officiel du film.

Jacques Mandelbaum

Article paru dans l'édition du 24.02.10

Critique

"Shutter Island" : labyrinthe pour polar mental

LE MONDE | 23.02.10 | 15h23  •  Mis à jour le 23.02.10 | 15h23

Au large de Boston, en 1954. A bord d'un ferry englué dans la brume, vaisseau fantôme sur une mer de plomb, un homme vomit tout ce qu'il peut dans la cuvette des toilettes. L'homme décomposé n'en est pas moins reconnaissable : c'est Leonardo DiCaprio, l'ex-jeune mort pimpant du Titanic. Sur le bateau de Scorsese, il fait plutôt l'effet d'un mort-vivant revenu d'on ne sait quel outre-monde. Cet être blême, chiffonné et migraineux a pour nom Teddy Daniels, un flic. Il finit par rejoindre sur le pont son collègue, Chuck Aule (Mark Ruffalo). Les deux hommes, qui travaillent pour la première fois ensemble, sont mandatés pour se rendre sur Shutter Island, où se trouve le plus grand asile pénitentiaire du pays, réservé aux criminels atteints de troubles psychiatriques. Rachel Solando, une détenue, vient de s'en échapper.

L'accostage n'a rien à envier à la traversée. Orage menaçant, roches noires et escarpées ouvrant sur des à-pics redoutables, lumière blafarde, bâtiments en brique couleur sang coagulé, dispositif de haute sécurité : l'atmosphère y est oppressante, sinistre. Avec l'enquête qui démarre, Teddy Daniels découvre que la faune locale est encore plus effrayante. Visages déments entrecroisés, staff infirmier patibulaire, psychiatre en chef retors (Ben Kingsley, aux petits oignons) qui lui met inexplicablement des bâtons dans les roues, secondé dans la tâche par l'ironique docteur Naehring (Max von Sydow, raide comme la mort).

Pour ne rien arranger, Daniels est en proie à ses propres démons. La mort de sa femme dans un incendie causé par un pyromane dont il espère secrètement retrouver la trace à Shutter Island. Ou encore les images effroyables de Dachau revenant régulièrement zébrer sa mémoire d'ancien GI découvrant l'horreur des camps. Sa barque ainsi lestée, Daniels doit malgré tout retrouver Rachel Solando, qui a tué ses trois enfants, et disparu sur une île dont on ne peut s'échapper ! Cette affaire recouvre-t-elle, comme il finit par en avoir le soupçon, une réalité beaucoup plus compromettante pour le gouvernement américain, engagé dans la lutte anticommuniste ? Se livrerait-on ici à des expérimentations humaines sur les détenus, avec la complicité de criminels de guerre nazis exfiltrés par les services secrets ?

Pour le savoir, cher futur spectateur, il faudra évidemment voir ce film, en évitant les éventuelles rumeurs qui pourraient vous en dissuader. Par exemple l'invraisemblance et le kitsch du film. Ou bien son renversement final qui se joue du spectateur, procédé réputé indigne du grand art. Sans compter ceux qui connaissent la fin de l'histoire pour avoir lu le roman Shutter Island, de Dennis Lehane (Rivages, 2003), dont le film est adapté. Ces réserves peuvent s'entendre. Shutter Island n'en est pas moins un film palpitant, qui vous tient de bout en bout, malgré l'ironie baroque qui le parcourt. C'est aussi un film qu'il est particulièrement intéressant de rapporter à l'obsession de Scorsese pour la question du mal. Shutter Island est en effet la première confrontation du cinéaste avec ce paradigme en la matière qu'est la barbarie nazie.

La réponse de Scorsese est avant tout celle d'un cinéphile, qui va chercher dans l'histoire de son art la forme qui lui semble la plus adéquate au sujet. Il la trouve du côté des films d'horreur RKO à bas budget, département dirigé par Val Lewton dans les années 1940. La proposition est séduisante : cette production est en effet contemporaine de l'événement qui se déroule en Europe, elle se caractérise aussi par une approche suggestive de la peur, qui assigne au mal une place désormais inassignable. Deux films de cette série - Vaudou (1943), de Jacques Tourneur, et L'Ile des morts (1945), de Mark Robson - font par ailleurs référence à un tableau dont s'inspire manifestement Scorsese pour son film : L'Ile des morts, du peintre suisse Arnold Böcklin.

Cette toile morbide, représentant une barque avec à son bord un homme drapé d'un linceul voguant vers la crique d'une île ténébreuse, était semble-t-il particulièrement appréciée d'Adolf Hitler, qui en aurait possédé une copie. Par-delà l'anecdote, Shutter Island se révèle puissamment travaillé par ce qu'il advient de l'humanité à l'épreuve du nazisme. C'est la terrifiante duplicité du film, qui n'épargne surtout pas les Etats-Unis. C'est ce plan halluciné d'un couple sur lequel se met à pleuvoir une nuée de cendres. Ce sont ces personnages qui disparaissent sans laisser de traces ou qui se désintègrent numériquement sous nous yeux. Ce sont ces fantômes des camps qui reviennent pour demander pourquoi on ne les a pas sauvés. Toutes choses qui font de Shutter Island un des films les plus sombres et les plus désespérés de Martin Scorcese.

Site officiel du film.
Film américain de Martin Scorsese avec Leonardo DiCaprio, Mark Ruffalo, Ben Kingsley, Michelle Williams. (2 h 17.)

Jacques Mandelbaum

Article paru dans l'édition du 24.02.10